Historia del Grabado.

Historia del arte. Grabado y Arte Impreso.

La técnica del grabado tiene su origen en China en el año 105. En Europa, los primeros grabadores que se conocieron datan del siglo XIII, la mayoría eran orfebres y plateros que realizaban grabados sobre metal. Pero es hasta el siglo XV, con la llegada de las técnicas de fabricación del papel, que el grabado en relieve o xilografía adquiere mayor importancia. La Xilografía: (xilon = madera / grafo = pintura, dibujo) es un grabado sobre madera. Técnica de impresión en relieve que utiliza una matriz de madera que es cortado empleando gubias o cuchillas para la incisión.

Las primeras xilografías que se conocen son hojas de calendarios y naipes realizados en Alemania.

Posteriormente con el predominio de la ideología medieval cristiana, (a finales del siglo XIV y principios del XV), se destino a toda forma de producción artística, al servicio de la Iglesia y a su religión. Por lo cual imágenes gráficas de este momento histórico se encuentran en los ya conocidos “libros ilustrados” o “libros miniados”.

Es recién durante el siglo XVII que el grabado alcanzará su categoría de obra de arte. Marcando así, el establecimiento de leyes estéticas propias.

El grabado en hueco o talla dulce (sobre una matriz metálica) surge hacia el 1460. Su nacimiento, está relacionado con el descenso del uso de la xilografía como medio de reproducción. Esto se debía al desgaste que sufrían las imágenes xilográficas durante el proceso de estampación, así como su carencia de contornos finos y sutiles. Se trata de un grabado efectuado sobre una plancha metálica consiguiendo incisiones o surcos, por medio de instrumentos: buril, punzón, etc., o por el procedimiento indirecto de corrosión de la plancha por ácido.

Su descubrimiento se le atribuye al orfebre florentino Maso Finiguerra, quién entintó las incisiones efectuadas en el metal y, al limpiar sólo la superficie dejó la tinta sobre los surcos, para luego estamparla sobre un papel humedecido, por medio de la presión ejercida con un rodillo blando.

El artista de esta época que se destaco por la utilización de grabado en hueco fue Digna el alemán Alberto Durero (1471-1528) que se distingue por crear imágenes completamente innovadoras tanto desde un punto de vista artístico como técnico. Influidos por la obra de este artista podríamos mencionar la obra del holandés Lucas van Leyden, así como los grabados de los italianos Marcantonio Raimondi y Andrea Mantegna, o la producción del alemán Lucas el viejo.

El grabado del Renacimiento se diferencia porque los grabadores basaron la temática de sus imágenes en temas religiosos y de la mitología griega. En el Barroco, los artistas empiezan a dar más importancia a la representación de los gestos, por lo que se orientaba más a lo emocional.

Es en este momento histórico cuando se consiguen más avances en cuanto a la técnica del huecograbado y se desarrollan nuevas técnicas como la aguatinta, la cual es un proceso de huecograbado que permite imprimir todas las tonalidades de grises, desde el más blanco hasta el negro, mediante la obturación del metal y la acción del ácido en diferentes tiempos de exposición. También se desarrollo el aguafuerte al barniz blando el cual permiten grabar la placa no solo con instrumentos metálicos, sino con lápices o inclusive con textiles, hojas de árbol, plumas, etc. Además se creo la técnica llamada manera negra o mezzo tinta, la cual consiste en granear o picar la plancha de cobre o zinc con un punteado uniforme que, una vez entintado, produce superficies de un negro profundo. Este sistema requiere de una gran destreza y puede compararse con el proceso de un negativo fotográfico. Se Destaca, entre todas las técnicas de grabado desarrolladas en esta época, la técnica del aguafuerte.

El aguafuerte es un grabado de forma indirecta, se dibuja con lápiz o punzón sobre una lámina barnizada; posteriormente se sumerge en una solución de ácido clorhídrico que carcome el metal en el área descubierta. Una vez hendida la placa, se le quita el barniz y se entinta. Luego se limpia el excedente que existe en la superficie y valiéndose de una hoja húmeda y una prensa se imprime.

Entre los máximos representes de la talla dulce y el aguafuerte se encuentran los artistas franceses Robert Nanteuil, Jaques Callot y Claude Lorrain; los españoles José de Ribera y Diego Velázquez; de Flandes, Bélgica, los artistas Pedro Pablo Rubens y Anthony Van Dyck; y de los países bajos Adriaen Van Ostade, así como la figura más destacada de todo el período Barroco: Rembrandt Van Rijn.

Rembrandt es considerado el maestro del claroscuro, creó imágenes de extraordinaria fuerza y sutileza, empleando la técnica del aguafuerte y la mezzo tinta.

A principios del siglo XVIII cuando el grabado experimenta una gran expansión por toda Europa; originando con ello, que todas las clases sociales sientan un deseo estético especial por la imagen impresa. Por ello, en respuesta a la demanda de impresos populares, todo el arte se vuelve burgués, intimista y de pequeñas dimensiones.

Respecto a los temas que predominaron en el grabado durante este periodo, éstos no sólo se limitaron a los de carácter familiar y burgués, sino que también se extendieron hacia la reproducción de pinturas y esculturas, así como a las vistas de ciudades. Como ejemplo de éste último género, podríamos mencionar, la obra gráfica de los artistas italianos Piranessi y Canaleto, quienes realizaron imágenes de las ciudades de Venecia y Roma. Mientras su contemporáneo Tiépolo, efectuó representaciones de la clase burguesa.

En Inglaterra, el grabado estuvo representando por William Hogarth, Rowlandson y William Blake. Este ultimo, buscó nuevos campos de expresividad para su disciplina gráfica. Cabe mencionar que la técnica más empleada por éstos artistas fue la manera negra o mezzo tinta, la temática de sus obras se distinguió por ser de tipo humorístico, satírico y moralista.

El florecimiento del comercio de grabados en la Inglaterra del siglo XVIII, era de tal consideración que en 1735 se llegó a promulgar una ley para proteger la propiedad artística y favorecer la exportación. Fue por ello que la producción de imágenes gráficas se bifurcaría en dos; el grabado visto como un arte reducido a la colección, y la imagen gráfica producida en serie para su masificación. Y es de recordar que antes de la imprenta, el grabado no se consideraba como un arte, sino como un medio de comunicación.

Para mediados del siglo XVIII y principios del XIX, con la llegada del Romanticismo (caracterizado por perseguir la expresión de sentimientos, creencias, esperanzas y temores) los artistas comienzan a apreciar una obra de arte según la sensibilidad de cada sujeto, y no según las reglas prefijadas.

Surge en este momento una de las personalidades más destacadas de España: Francisco Goya. A él se le atribuye ser el primer gran grabador que recurre a la combinación del aguafuerte con la aguatinta.

El siguiente paso en la historia del grabado, se da con el realismo, durante el siglo XIX en Francia, Alemania e Inglaterra. Este movimiento surge como reacción a los excesos románticos e intentó captar la vida del pueblo sin falsos idealismos. Además los artistas realistas pretendían dejar constancia del momento histórico que les rodeaba, por lo que la expansión de la imagen impresa invadirá la mayor parte de la vida cotidiana de las ciudades. Desde la reproducción de imágenes a gran escala, hasta la impresión de periódicos y revistas, la ilustración de libros, etc.

Una muestra de dicho trabajo de ilustración, es la obra de Honoré Daumier; quien ilustró los periódicos de la época con su sátira política y su comentario social; o la obra Gustave Doré.

Del mismo modo, algunos impresionistas como Pissarro, Manet y Degas realizaron grabados. Ellos no trabajaron con temas encargados por la burguesía, sino que expresaban libremente sus propias ideas, muchas veces criticando la situación que los envolvía.

Con la aparición de la fotografía la fidelidad del nuevo medio y su máxima capacidad de reproducción, hicieron que esta reemplazará al grabado en la ilustración y el reportaje de las actividades de la vida cotidiana.

No obstante, ello no fue motivo para dejar de realizar grabados, ya que con la práctica del cartel en color, se continuará con el proceso de estampación. La litografía, fue la técnica elegida por diferentes artistas de finales del siglo XIX. Los más representativos fueron Jules Cheret y Toulouse-Lautrec los cuales provocaron una verdadera revolución en el campo visual de la calle. Ellos integraron el texto como parte de la imagen, en un tipo de composición hasta entonces nunca antes vista.

Otro gran avance será entre 1880 y 1890, con el invento de la pantalla de tramado fotomecánico, que promueve fuertemente la práctica del fotograbado. Y con ello, también se dará impulso a la producción múltiple de libros, revistas y enciclopedias que estarán al alcance de todos.

Para principios del Siglo XX, artistas como James Ensor y Eduard Munch, adoptaron una actitud de evasión y de rechazo a las costumbres, a la moral y a la forma de vida burguesas. Por lo que estos artistas, buscaban representar la verdadera naturaleza humana que la burguesía disfrazaba con hipocresía y corrupción.

Por su parte movimientos como el expresionismo, el fauvismo, el dadaísmo, el surrealismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo. Y con estos movimientos, el grabado alcanzará mayor expansión, pues, desde el cubismo hasta el arte pop, los sistemas de estampación ofrecerán nuevas alternativas para la producción de imágenes.

Los fauvistas, Georges Rouault y André Derain, emplearon el color sin ningún tipo de contenciones. Y esto será reflejado en sus grabados.

Mientras que en 1925, con el movimiento cubista, artistas como George Braque, Juan Gris y Jacques Villon, destacan en su producción gráfica, por la relación que existe entre su línea grabada y el cromatismo de su estampa. El máximo exponente de este movimiento es sin dudas Pablo Picasso, trabajaría con las técnicas de la litografía, el aguafuerte, la xilografía y la punta seca.

Los surrealistas emplearon el grabado de diferentes maneras. Por ejemplo Joan Miró realizó litografías en color, mientras que Marc Chagall, empleo la técnica del aguafuerte.

En cuanto a los artistas del expresionismo alemán se puede afirmar que se identificaron más con la técnica de la xilografía. Ya que, aunque al principio la xilografía estuvo ligada al arte popular, artistas como Gauguin, Franz Marc, Emil Nolde, Max Beckman, George Grosz, Ernst Barlach, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Oskar Kokoschka, Schmidt-Rottluff y Otto Müller se inclinaron por esta técnica.

Y el uso de la xilografía, como lenguaje aliado, será continuado por la Bauhaus; a través de Wassily Kandinsky y Paul Klee.

A partir de 1950, con las vanguardias contemporáneas, que la tradición gráfica se renueva con la aparición de nuevos procedimientos de reproducción y por las alternativas que se daban en los procesos convencionales. Un ejemplo de ello es la técnica de la serigrafía -la cual se cree, se remonta a los chinos-, que tomó un impulso espectacular en los Estados Unidos. La serigrafía es un sistema de estampación que ofrece mayor número de tirajes en cualquier clase de superficie. Se basa en el antiguo sistema del estarcido o stencil que consiste en estarcir sobre plantillas previamente recortadas que dejan pasar la tinta en áreas determinadas. De esta manera se puede imprimir una o varias tintas sobre el papel, con solo cambiar la pantalla.

Ahora bien, en cuanto a las vanguardias artísticas que surgieron como respuesta a los estilos europeos, la más innovadora en cuanto al uso de la gráfica, encontramos al movimiento del arte pop. Este tipo de arte se caracterizaba porque su iconicidad que provenía de diversos medios de comunicación. Los artistas más emblemáticos son Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

A partir de allí es que el grabado se ha caracterizado por ser una de las disciplinas con mayor variedad de alternativas para la producción artística lo que lo hace tan atractiva para los artistas contemporáneos.